Зарубежное искусство

 

В собрании Приморской государственной картинной галереи насчитывает около пятисот произведений живописи, графики, декоративно-прикладного искусства и включает в себя разделы: западноевропейское искусство и искусство стран Востока. Цифра небольшая относительно общего числа, но они представляют огромный интерес, как для специалистов, так и для широкого круга зрителей, дают понятие об основных, художественных направлениях стран Европы на протяжении веков. Далеко не каждый краевой или областной музей имеет в своих фондах произведения зарубежного искусства. Раздел экспозиции западноевропейского искусства представлен работами итальянских, немецких, фламандских, голландских и французских художников XIV – начала XX века. Частично представлены работы английских, бельгийских, испанских, норвежских и швейцарских мастеров.

       К числу лучших экспонатов относится работа неизвестного итальянского художника «Богоматерь с младенцем в пейзаже», выполненная в XIV веке. В центральной части работы представлена богоматерь – царица небесная с младенцем Христом, на фоне пейзажа. Эта работа, относится к периоду треченто, то есть переходный период от эпохи средневековья к эпохе Возрождения. Можно видеть, как разворачивается борьба старых иконных принципов с новыми картинными, как некоторые завоевания новой художественной системы в области живописнопластической формы, сочетаются с традиционной композицией и золотым фоном. Художник ставит перед собой задачу воспроизведения трехмерного пространства, но в полной мере и наглядно ему это еще не удается.
       В начале XV века в странах Западной Европы и прежде всего в Италии совершился художественный переворот огромного исторического значения. В эту эпоху происходит становление искусства Возрождения, проникнутого ощущением красоты реального мира и высокой эстетической ценности человека. В произведении итальянского художника Якопо де Понте (1517-1592) «Благовестие пастухам» прозванным Бассано, по имени города, в котором он родился и прожил всю жизнь, можно видеть, как с изменением мировоззрения в живописи, складывались новые принципы жизненно достоверного изображения мира и человека.

       Якопо Бассано относится к числу величайших мастеров – провинциалов школы террафермы. Террафермы («твердая земля») – это местные художественные центры близлежащих и подвластных Венеции областей, примыкающих к венецианской школе живописи эпохи Возрождения. Искусство террафермы отличалось от искусства шумной Венеции своей патриархальностью, спокойствием, провинциальностью. Главным героем своих картин Бассано выбирает простых людей, своих современников, пастухов, земледельцев. В картине «Благовестие пастухам» он обратился к библейской легенде о том, как ангел приносит пастухам весть о рождении Христа. И все-таки, несмотря на библейский сюжет, главное место здесь занимают люди – простые жители приальпийского городка. Заимствуя сюжеты для своих картин из Библии, Бассано изображает их в духе сельских жанровых сцен. Большая перегруженность композиции фигурами людей и животных, постоянный композиционный прием в расположении фигур, ночной пейзаж, на фоне которого развивается событие, зеленовато-синее небо с узкой полосой пробивающегося света на горизонте, излюбленный подбор красок – желтая, земляная, белая – вот отличительные черты живописи Бассано.

       Творчество Бассано относится к тому периоду развития венецианского искусства, когда оно, еще продолжая сохранять, и даже расширять реалистические традиции Возрождения отходит от классической простоты, ясности и сдержанности произведений Ренессанса. В целом искусство венецианской террафермы означало отход от утонченных идеалов римской и флорентийской школы и приближении его к народным крестьянским истокам. В 20-30е годы в итальянской живописи сложилось направление, получившее название маньеризм.

       Римская школа представлена композицией «Пейзаж с руинами» Джованни Паоло Паннини (1691/92-1765), живописца архитектурных видов и руин. В XVII веке пейзаж выделяется в самостоятельный жанр. Такой тип пейзажа как «руинный», получает свое развитие с зарождением науки археологии. Ведь во второй половине XVIII века были найдены и частично раскопаны погибшие во время извержения Везувия античные города Помпеи и Геркуланум. Античность, увиденная лицом к лицу, поразила людей просвещения, пробудила интерес к памятникам древности, вызвала к жизни новую волну подражания классике. Художник изображает руины как главного героя, он любуется их монументальностью и величавостью.

        Рим становится центром формирования нового направления в искусстве второй половины XVIII столетия – классицизма. В «Руинном пейзаже» Паннини, принципы этого направления в искусстве выявлены предельно ясно – умозрительная композиционная схема, в которую вписаны, вполне вероятно, реальные руины, которых в избытке было в Италии. Устойчивые живописные формулы, которыми пользовались многие художники-классицисты, твердо усвоившие – какие красочные смеси нужны для написания зелени деревьев, неба, человеческих тел. Установка на идеальную, рафинированную природу, делала такие картины безжизненными. Поэтому не случайно здесь применен «стаффаж» - фигуры людей, призванные оживить эту декорацию. Чаще всего сюжетами для таких сценок становились эпизоды из жизни римлян.

        Испанское искусство в собрании представлено всего одной работой, но очень редкой для музеев нашей страны, потому что она относится к XVI веку – не так много давшего мировому искусству. Это работа неизвестного художника «Портрета монаха ордена доминиканцев». Расцвет испанской живописи наступает в XVII столетии, - это будет, подлинный «золотой век», а пока искусство испанских живописцев еще очень архаично. Испания была первой феодальной страной Европы, где система абсолютной монархии сложилась в законченных формах. Католическая церковь, пользовавшаяся огромной властью и державшая под контролем все области духовной деятельности, оказывала большое влияние на развитие искусства, предопределяя многие его черты и особенности, она не способствовала быстрому проникновению гуманистических идей в искусстве. В XVI веке Испания вела многочисленные захватнические войны, страна была ослаблена и в искусстве этого времени наблюдается упадок. Не случайно мастер в своем произведении пытается передать состояние мрачности эпохи испанского могущества, расцвет католицизма и время инквизиции. Художник как бы противопоставляет фигуру Христа, который изображен «мелким и ничтожным», фанатичной нависающей как глыба фигуре монаха.

        Возможно, этот созданный в назидание портрет должен был «украшать» какой-нибудь монастырский интерьер. В нижнем левом углу картины, на изображенной мастером подставке начертана надпись «DOCEBO INIQVOS VIAS TVAS» - «Научу неправедных путям твоим» /и нечестивцы обратятся к тебе/ - эти слова из «пятидесятого псалма», призваны были усиливать воздействие на зрителей-монахов, наставлять их на праведный путь, учить послушанию и безграничной вере в идеалы католической церкви. Искусство немецкой живописи в коллекции очень малочисленно, это единичные полотна XVI, XVII, XVIII и XIX веков.
        Пятнадцатое столетие было переломным в развитии культуры и искусства многих европейских стран. Под воздействием прогрессивных общественных сил и отношений начала рушиться система феодализма. Значительную роль в этом процессе сыграли подъем, и расцвет городов северной части Европы, в том числе в Нидерландах и Германии. Именно в XVI веке немецкое искусство органически включается в общеевропейское русло художественного развития, но в живописи многих немецких мастеров еще господствовали принципы позднеготического искусства. Наиболее интересными экспонатами в коллекции немецкого искусства, являются две работы неизвестного провинциального мастера XVI века из серии «Легенды о святом Евстахии»: «Нашествие воров» и «Святой Евстахий с семьей на арене между львами». Раньше эти работы входили в серию из восьми произведений, остальные работы находятся в музеях стран СНГ и России. Это так называемая «житийная» серия, повествующая о страданиях и злоключениях святого мученика Евстахия и его семьи, одного из многочисленных христианских святых, пострадавших в свое время за веру. В произведениях серии последовательно разворачиваются события его горестной жизни. На картине «Нашествие воров» - очередное испытание, выпавшее на его долю. Интересным явлением является совмещение разновременных действий – это очень распространенный художественный прием в эпоху Средневековья. Хотя работа и написана во время расцвета Северного Возрождения, но стилистически она относится к средневековью, это и золотистый фон на втором плане, и разномасштабные фигуры и архитектура написанная «плоско» и с перспективными смещениями. Прежде всего, работы из серии «Легенды о святом Евстахии» интересны как образцы немецкого примитива, где показана наивность и искренность народного искусства. Эпоха напряженной классовой борьбы, Реформации и Крестьянской войны в Германии, привели к застою в духовной и художественной жизни страны, и лишь в XVII – XVIII веках немецкое искусство вновь займет достойное место в культуре европейских стран. К XVIII веку относится картина из известной и очень ценной коллекции князей Голицыных «Портрет старушки» Христиана Зеебальда (1697/1703-?/-1768).

        XVII век, век разума, век просвещения. Художники этого времени придавали огромное значение в искусстве чувству, средоточию благороднейших устремлений человека. Часто героями произведений становились простые, так называемые «малые люди», живущие скромно и не избалованные достатком. Художников в них восхищали искренность чувств и непосредственность души. В работах Христиана Зеебальда заметно подражание своему учителю Бальтазару Деннеру, который любил изображать людей преклонного возраста. В «Портрете старушки» угадываются и традиции голландского искусства, оказавшего в XVII столетии огромное влияние на многие европейские школы живописи. Формирование художественных школ было связанно с ростом и укреплением в Европе национальных государств. Ведущими художественными державами в XVII веке были Италия, Испания, Фландрия, Голландия и Франция. Нидерландская революция XVI века привела к разделению Нидерландов на два государства – Северные и Южные провинции, а на рубеже XVI – XVII веков нидерландское искусство окончательно распадается на две школы – фламандскую и голландскую. В XVII столетии обе они достигли своего наивысшего расцвета. Северные провинции Нидерландов, в результате буржуазной революции получили независимость от Испанского владычества, и образовали Голландскую республику, которая переживает в XVII веке бурный экономический подъем и становится одним из важнейших центров европейской культуры.

        В собрании западноевропейского искусства Приморской государственной картинной галереи, голландская живопись занимает особое место. Искусство Голландии представлено почти всеми жанрами: натюрморт, портрет, батальные и бытовые сцены, анималистические и пейзажные картины. Голландское искусство этого периода отличается яркой реалистичностью, стремлением художников передать неповторимый колорит жизни своего народа, создавшего первое в мире буржуазное государство. Это и полные холодной надменности портреты голландских, предприимчивых бюргеров и наполненные воздухом и светом морские пейзажи. Борьба с испанцами обострила чувство национального самосознания голландцев, образ родной страны, ее людей, природы, повседневного быта, стал главной темой искусства.

        Профессия живописца была в Голландии одной из самых популярных, так как спрос на картины был очень велик. Они прочно вошли в жизненный обиход голландцев, стали частью быта, предметом коммерции. Живописцы писали свои работы главным образом для продажи на рынке, их покупателями были бюргеры и даже состоятельные крестьяне. Художников было много, они жили и в небольших городах. «Ярмарка в Роттердаме, - писал английский путешественник XVII века, - была перегружена картинами (особенно пейзажами и жанровыми сценами)…Все дома напичканы картинами, и голландцы продают их с большим барышом». Картины писали обычно небольшого формата в расчете на скромные по размерам интерьеры домов. Голландец, деятельный и полный энергии, рассудочный и практичный, любивший свой край, гордившийся им, хотел видеть в картинах то, что ему было хорошо знакомо, - природу своей страны, домашний очаг, вещи, которые его окружают. К десятым годам XVIII столетия в основном завершилось формирование основных жанров голландской живописи, и художники начали специализироваться в каком-либо одном из них.

        Одним из наиболее популярных жанров голландской живописи в начале XVII века был портрет. Возросшее значение личности в новом буржуазном обществе способствовало расцвету реалистической портретной живописи. Новый хозяин страны, бюргер, жаждал видеть себя запечатленным с подобающей представительностью, свидетельствующей о его достатке и добропорядочности. Спрос на портретные изображения был очень велик. Эти портреты невелики по размерам и рассчитаны на рассмотрение с близкого расстояния в небольших комнатах бюргерского дома, изображение модели обычно погрудное или поясное. Прекрасным образцом портретного жанра в Голландии, является работа Яна-Антониса Ван Равестейна (1572-1657) «Портрет неизвестного мужчины», испытавшего сильное влияние одного из известнейших художников Михиеля ван Миревельта (1567-1541), из мастерской которого вышло несколько тысяч портретов. Творчество Равенстейна охватывает два наиболее интересных периода в истории голландского искусства – время становления и расцвета реализма. В «Портрете неизвестного мужчины» отразились черты свойственные обоим этапам. С одной стороны – это трезвый реализм, с протокольной точностью, без прикрас художник передает все особенности, проявляя равное внимание к главному и второстепенному. Элемент позирования художником не скрывается, точнее художник не умеет преодолеть в картине впечатление от натуры, скованной длительным позированием. С другой стороны – здесь уже встречаются черты характеризующие портреты середины XVII века – светотеневая моделировка, пришедшая на смену сухости и графичности очертаний ранних портретов. Голландский портрет с самого начала столетия имеет определенные национальные черты. В этой области живописи, пожалуй, более, чем в какой-либо другой, выразилось национальное самосознание народа. Широкое распространение буржуазного реалистического портрета было обусловлено возросшим значением личности в новом буржуазном обществе. Портреты отличаются простотой и точностью изображения, отсутствием какой-либо идеализации. Особое место в искусстве голландских художников заняли женские образы. В собрании голландской живописи есть работа неизвестного художника XVII века «Женский портрет», но скорее всего портрет относится к XVIII веку и мог быть написан в Дании или Швеции.

        Художнику удалось уловить своеобразие позы, жеста, своей модели. Дама изображена в строгом туалете, представительно и парадно. Однако модель на портрете замкнута и сохраняет дистанцию между собой и зрителем, и вместе с тем она продолжает жить в небольшом интерьере, в интимной среде, где царит легкий сумрак, сближающий краски и придающий им благородное звучание. Выполненный в сдержанной темной гамме с документальной точностью всех деталей, он просто и трезво, без всякой идеализации знакомит своего времени. На портрете типичная голландская бюргерша, предприимчивая деловая женщина, ее некрасивое лицо полно серьезности и чувства собственного достоинства. Это хозяйка богатого голландского дома, она только что оторвалась от домашних дел, и позирует художнику, видно, что она не стремится выглядеть красивее и моложе, чем она есть.

        Видное место в голландском искусстве XVII века принадлежало натюрморту. Однако это наименование, происходит от сочетания французских слов и точно переводится как «мертвая природа», что таит в себе какой-то оценочный момент и не соответствует характеру изображенного. Ведь в них фигурируют не только овощи и фрукты, но и изделия человеческих рук – всевозможная утварь, стекло, фарфор. Вместе с тем эти произведения проникнуты такой жизнеутверждающей силой, в них проявляется огромный интерес к миру природы в разнообразных аспектах, что подобным произведениям гораздо больше подходит наименование «Stilleven» - «остановившаяся» или «замершая жизнь». Это название стало применяться в Голландии после 1680 года. Тихая, неподвижная жизнь вещей, красота цветов или плодов в окружении человека, как украшение его быта, - вот основная тема картин голландских художников. В натюрморте в основе подхода к теме лежит понимание ценности земного существования, любовное отношение к всему, что составляет окружение человека.

        Ранние голландские натюрморты обрели свое лицо в Харлеме, где изображали так называемые «завтраки». В натюрмортах выделившихся в самостоятельный жанр на рубеже XVI – XVII веков, выработались определенные типы: изображение цветов, десерты, закуски, натюрморты с битой птицей, рыбой, а позже и с роскошной утварью. Однако мир голландского натюрморта – мир земных и конечных вещей. Изображение вещей, так проникнуто личным отношением, что всегда ощущается близость человека, а предметы как бы сохраняют черты его прикосновения. Важную роль в голландском натюрморте играли символы предметов, изображенные на картине они несли определенную смысловую нагрузку. И очень часто, что мы воспринимаем лишь как изображение какого-то предмета домашнего обихода, для зрителя голландца имело еще и второй символический смысл. «Предметы не только как атрибуты бюргерского быта, но и как символы поддержания жизни и неистощимого богатства щедрых даров земли». Корзина с фруктами – символ изобилия и богатства, черствый хлеб – символ бережливости, бокал с вином – символ земной радости. Голландцы, прекрасно зная все символы, могли хорошо ориентироваться в таких работах.

        Натюрморт работы неизвестного художника XVII века, находящийся в Приморской государственной картинной галерее, один из многочисленных вариантов «десерта». Для художника показать характерное было так же важно, как показать красивое. Кисть живописца движется нетерпеливо, каждый предмет он пишет с благоговейной тщательностью, словно ощупывая предметы, и выявляя их форму, фактуру, взаимодействие с рассеянным светом. Это шероховатость и пористость корки лимона, шелковистость скатерти, прозрачность стекла и холодный блеск металла. В голландском натюрморте мы ощущаем и свежесть янтарного лимона, и недопитое вино в бокале из венецианского стекла, и сдвинутая в сторону скатерть, все говорит о недавнем присутствии здесь человека. Голландский натюрморт не признает резких цветовых сочетаний. Красочные тона подчинены градации света и тени. Художник наслаждается не декоративной прелестью красочных сочетаний, а тем как объединены цвета с помощью освещения, его тонкими градациями, передачей световых бликов и красочных рефлексов. Недаром почти в каждом голландском натюрморте встречаются предметы из стекла и металла, дающие богатые возможности для решения разнообразных задач по передаче особенностей этого материала с помощью освещения. Наряду с натюрмортами важное место в голландской живописи занимали марины.

        В первой половине XVII века маленькая Голландия была сильной морской державой, в которой развивается морская торговля и рыболовство, вся жизнь голландцев была связана с морем. И именно голландским художникам принадлежит заслуга в появлении такого жанра как «маринистика». Ведь море в жизни голландцев занимало ведущую роль. Благосостояние страны зависело от успехов в мореплавании, поэтому жанр морского пейзажа один из самых любимых. Художники пишут его бушующим и спокойным, при вечернем закате и ярком солнечном освещении, с любовью и преклонением перед грозной стихией. Художники великолепно передавали движение волн, связь неба и воды, сливающихся в единую стихию, свежий морской воздух, и корабли, бороздящие просторы моря, рыбаков на берегу. В работе Питера Муллир (старший) (1615-1670) «Буря и крушение у подножия больших скал» раскрывается картина с изображением бушующей морской стихии, встречающейся не так часто у голландских пейзажистов. Голландская пейзажная живопись не ограничивалась точным портретом природы. Достоверность ценилась высоко, но их живопись не когда не становилась фотографией. Принципы голландского реалистического пейзажа складывались на протяжении первой трети XVII века. Вместо условной, идеализированной, придуманной природы академистов, голландские художники вносят в свои работы свой ум и свое сердце, свое тонкое понимание красоты природы, свою любовь к знакомому с детства соленому ветру с моря, к вечно движущимся облакам на изменчивом северном небе. Художники старались передать в своих пейзажах атмосферу времени года, влажный воздух, пробегающий по волнам моря легкий ветерок, бескрайнее пространство морской равнины, все это способствовало развитию тональной живописи.

        Впечатление единой световоздушной среды, в которой существуют все элементы композиции, передано при помощи тонального колорита в работе «Морской берег» (1846) Андреаса Схелфхаута (1787-1870). Художник сближает цвета и объединяет их серовато-серебристым тоном, соответствующим пасмурному рассеянному освещению. Атмосфера кажется насыщенной влагой. Мастерски написано небо с облаками. Благодаря низкому горизонту, передающему доподлинный характер голландского пейзажа, небо занимает большую часть картины и кажется очень высоким. Это обширное, воздушное пространство придает всему виду легкость и простор.

        Мягкая расплывчивость форм, неуловимость переходов между ними, рожденная взаимодействие пространства, света и воздуха, тональный колорит дают ощущение материального единства природы, взаимосвязи всех ее явлений. Одна из важнейших тем голландского искусства – тема жизни частного человека. Свое главное решение она получила в жанровой картине. Ее назначение как можно с большей полнотой отразить повседневную жизнь бюргерского общества, это и изображения крестьян во время отдыха или развлечений. Действие в этих небольших по размерам картинах с несколькими фигурами, развивается в спокойном повествовательном ритме. За небольшие размеры картин и интимный характер трактовки темы, голландские живописцы получили название «малых голландцев». Иногда в эти сценки художник вносит элемент юмора, занимательности, как в произведении Антонии Викторейнса (?-1655) «Оператор», который писал свои картины на темы крестьянской жизни. Он был фламандцем по происхождению, но всю жизнь подражал выдающемуся голландскому жанристу Адриану Ван Остаде (1610-1684). Также и эта работа «Оператор» написана им в духе Остаде, а точнее его знаменитой серии «пять чувств». Крестьяне на картинах голландцев всегда выглядят существами грубыми, примитивными, дерущимися, с искаженными карикатурными лицами. Это, конечно, не соответствовало действительности, просто художник как бы смотрит со стороны, и в его взгляде ощущается насмешка горожанина над неотесанностью деревенского жителя. Крестьянские сцены для голландцев XVII века были по природе своей жанром с явно комической окраской.

        Большую роль в искусстве XVII века играла и фламандская школа живописи. В результате буржуазной революции, Южные Нидерланды остались под властью Испании. Эти южные провинции группировались вокруг наиболее значительной из них – Фландрии. Однако даже подчинение, не помешало народу ощутить собственную силу, сознание необходимости продолжать борьбу за свою свободу и благополучие, отстаивать свою самобытность, свое национальное своеобразие. Это и определяет высокий расцвет фламандской культуры XVII века. Но в то же время искусство Фландрии значительно отличается от голландского искусства. Оно гораздо ближе Италии и Франции, где в XVII веке наряду с другими направлениями утверждается барокко – пышное, декоративное, беспокойное искусство, призванное украшать залы дворцов, а не скромные бюргерские жилища. Огромное живописное панно Даниэля Сегерса (?) (1590-1661) «Среди цветов» - как раз такое произведение, где проявляются отличительные черты фламандского барокко: игра контрастов, многоцветие, пышность форм. В начале XVII столетия завершилось формирование единого французского государства, с сильной централизованной властью в лице абсолютного монарха, способствовавшее преодолению феодальной раздробленности и объединению страны. Государственная централизация содействовала политическому и экономическому подъему нации, одновременно XVII столетие стало эпохой расцвета национальной культуры. Живописные полотна из раздела французской живописи в Приморской государственной картинной галерее, представляют некоторые из основных направлений искусства этой страны, начиная с XVII века и заканчивая началом XX века. Самым крупным явлением художественной жизни Франции был классицизм. Художники классицизма считали обязательным условием художественного произведения6 симметрию, гармонию, особую приподнятость художественного языка.

        Классицизм эпохи Людовика XIV отразился в разных жанрах – в портрете, пейзаже, натюрморте. Театрализация быта при дворе «короля-солнца» сказалась и в великолепном и уникальном натюрморте Жана Батиста Моннуайе (1634-1699) «Цветы». Натюрмортов в XVII веке во Франции писали не так много как пейзажей, портретов или академических композиций. К тому же, работ Моннуайе очень мало в России. В своих коллекциях их имеют лишь несколько музеев. Это пример заказного классицистического натюрморта, где главное внимание уделено внешней красоте и эффективности, каждая деталь пышного букета выписана с удивительной тщательно выписанные, идеально-прекрасные, очищенные от всего случайного цветы, кажутся нам безжизненными, почти бутафорскими. В начале XVIII века начался новый этап развития французской живописи. Идейное содержание эпохи определялось борьбой демократических сил с разлагающимся абсолютизмом и расточительством двора. Стилевые направления быстро сменяют друг друга, а то и соседствуют одновременно. В искусство приходит новое направление – утонченное, призывающее к наслаждениям, к чувственным радостям – «рококо». Стиль «рококо» - утонченный, игривый, изысканный отвечал вкусам двора времени регентства. Ярким примером искусства рококо является работа неизвестного художника «Галантная сцена». Кавалеры и дамы, наряженные в костюмы пастушек, прогуливаются на лоне природы, кокетничают, заигрывают друг с другом. Их жесты жеманны и неопределенны. Живопись рококо, как драгоценная игрушка, предназначенная для украшения праздной жизни, ее кругозор был очень узким, а направленность – крайне односторонней.

        XIX век во Франции проходит под знаком постоянной, непрекращающейся борьбы между различными направлениями. В 30-х годах во Франции получает большое развитие пейзаж. Реалистическое движение во французском пейзаже было реакцией на любовь к экзотике, преувеличениям к фантастическому у романтиков. Его возглавили художники «барбизонской школы». Художники стремятся передать реальную красоту французской природы, а не идеализированный, рафинированный пейзаж. Пейзаж Эдмонда де Скампфелера (1824-1899) «Туманное утро» - это уже не умозрительная схема. Создается ощущение прохлады утреннего леса, еще не согретого солнечными лучами, с трудом пробивающихся через туманную дымку. Естественный лик природы открывает зрителю свое очарование, будит в нем поэтическое и лирическое настроение. Мягкая живописность, все формы словно тают в воздухе, тончайшие переходы создают особую воздушность пейзажа, в котором растворяются четкие формы и яркие цвета.

        Интересными экспонатами в разделе французского искусства являются произведения конца XIX начала XX века: «Перед боем быков» Акилла Анри Зо (1873-?) и Жана Жовено (1888-?) «Натюрморт с цветами и скрипкой». Созерцательность и эмпиризм пейзажа в середине XIX века скоро перестали удовлетворять ищущих новых путей в искусстве художников. И если художники реалисты научили зрителей видеть красоту в окружающей действительности, то сторонники импрессионистического направления стремились запечатлеть красоту мгновения, мига, выхваченного из круговорота жизни. Такова картина «Перед боем быков» Анри Зо, где ощущается радостное предчувствие праздника, толпы испанцев спешат на корриду – любимое зрелище, и где проявляются характерные черты нового направления импрессионизма. Ведь художники этого направления не смешивали различные краски на палитре, а писали чистыми цветами. Совершенно иная техника письма, художник пишет мелкими пастозными мазками, кладет один мазок краски рядом с другой, горизонтально или вертикально, благодаря чему создается ощущение воздуха. Картина как кадр, фрагмент, выхваченный из потока жизни, зафиксированный и опоэтизированный мастером. Сделать картину подобной открытому окну, сквозь которое виден реальный мир, полных чистых ярких красок – вот к чему стремились художники-импрессионисты.

        Вместе с импрессионистами работали и те художники, которых в дальнейшем историки искусства стали называть постимпрессионистами. Искусство рубежа XIX – начала XX веков раскрывает сложный, но очень интересный период, когда происходит ломка старых взглядов на мир, когда идут активные поиски нового живописно-пластического языка. В «Натюрморте с цветами и скрипкой» художник отвлекается от обыденной сущности предметов, он выявляет их в основе простейшие геометрические формы. Пространство построено уже не согласно, прямой перспективы, а подчинено чисто художественной логике взаимоотношений и равновесия объемов и плоскостей. Художник пользуется методом экстраполяции цвета, усиливая контрасты, создавая цветовые напряжения. Данное произведение показывает, что каждый художник этого направления шел своим путем, формируя свой творческий метод и индивидуальный художественный стиль. Западноевропейская графика в собрании Приморской государственной картинной галереи не так многочисленна как живопись. Наиболее интересными экспонатами являются работы: австрийского художника Карла Гебеля (1824-1899) «Зимний пейзаж» и норвежского мастера Фрица Таулоу (1847-1911) «Лунная ночь».

 

вернуться на сайт